Las diez mejores representaciones cinematográficas de Ian McKellen

«Ningún hombre abiertamente gay ha ganado nunca el Oscar; me pregunto si eso es un prejuicio o una casualidad», dijo Sir Ian McKellen a principios de 2016, cuestionando la inclusión política de los Premios de la Academia. “Mi discurso ha sido en dos chaquetas… ‘Estoy orgulloso de ser el primer hombre abiertamente gay en ganar el Oscar’. Tuve que volver a guardarlo en mi bolsillo dos veces». Ambas interpretaciones, la primera en ‘Dioses y monstruos’ (1998) y ‘El señor de los anillos: La comunidad del anillo’ (2002) fueron sin duda dignas de un Oscar, y ambas resultaron ser mejores actuaciones que cualquiera de los ganadores. de los respectivos años. Aunque es posible que McKellen se haya quedado sin un Oscar, su filmografía sería suficiente para complacer a cualquier actor.

Aunque ha acumulado una cantidad impresionante de créditos, había hecho pocas apariciones en películas antes de su turno como John Profumo en 1989, que hizo cuando tenía cincuenta años. Anteriormente, su atención se centró en el teatro, servicios por los que fue nombrado caballero en 1991. Los créditos seleccionados incluyeron a Salieri en ‘Amadeus’, el médico titular en ‘Dr. Faustus’ y su extraordinario Max en ‘Bent’. Los años que pasó trabajando para la Royal Shakespeare Company durante los años setenta le serían de gran utilidad como actor, y trabajaría bien en su lugar más adelante en su vida como actor de cine.

Con una hermosa voz de barítono y verbosidad que pocos profesores de Oxford poseen, McKellen ha demostrado ser un digno actor de carácter, la niña de los ojos de los directores Peter Jackson y Bryan Singer. Sin embargo, fue su trabajo con Bill Condon lo que demostraría ser su película de colaboración más valiosa, las dos películas que hicieron dos de las interpretaciones más sólidas que McKellen ha dado en cualquier medio, su primer papel destacado de McKellen en Hollywood, la segunda una de las mejores interpretaciones. cualquier artista ha dado a finales de sus setenta. Otros papeles cinematográficos que McKellen ha interpretado son sabios mágicos, intolerantes clericales, convictos atormentados y adictos perseguidos.

10: Six Degrees Of Separation (1993, Fred Schepisi): «Voy a comprar una copia de ‘Catcher In The Rhye’, en el aeropuerto, y leerlo», repite Geoffrey Miller con su ligero acento sudafricano. Hablando con el Paul de Will Smith, McKellen tira la línea, a la vez frívolo y seguro, con indicios de inseguridad racial y orgullo en su voz. Haciendo piruetas en la habitación mientras Smith pronuncia un monólogo que hace eco de la voz de Holden Caulfield, Miller actúa vagamente sospechoso del invitado que tanto Ouisa Kittredge (Stockard Channing) como Flan Kittredge (Donald Sutherland) reciben con los brazos abiertos.

Como corresponde a un estereotipo blanco de Sudáfrica a mediados de los noventa (la liberación de Nelson Mandela había sido solo tres años antes), Miller se pinta a sí mismo como un liberal, aunque está al tanto de leves comentarios racistas. Cuando se le pregunta por qué se queda en Sudáfrica, Miller responde: «Uno tiene que quedarse allí. Para educar a los trabajadores negros. Y sabremos que hemos tenido éxito cuando nos maten». McKellen deja que la audiencia decida si esto el comentario se entiende seriamente o con la lengua firmemente colocada en la mejilla. Sonriendo perennemente mientras Paul Poitier (el autoproclamado hijo de Sidney Poitier) intenta estafar a sus anfitriones. Ya sea que lo sepa o no, McKellen interpreta a Miller como un advenedizo, incómodo con el sonido de la sangre, más preocupado por el vino que por las dolencias de una persona.

McKellen hábilmente permite que Sutherland y Channing tomen la mayor parte del protagonismo, agregando pequeños gestos al costado de sus actuaciones, lo que permite que el público interprete a su elección los pensamientos y motivaciones de su personaje. Un fuerte papel secundario.

9: X-Men (2000, Bryan Singer): Hubo un tiempo en que las películas basadas en historietas no eran tan atractivas como ahora. Hoy en día, los tesoros dorados Martin Sheen, Jeremy Irons, Helen Hunt, Amy Adams y Glenn Close aparecen y desaparecen del mundo de los cómics y nadie parpadea. Y Ian McKellen es en gran parte gracias por eso. Incluso más que Patrick Stewart (Stewart ya tenía un pie en la corriente principal, gracias a Star Trek), un actor de Shakespeare de su calibre dio crédito al mundo de las películas de cómics, apenas tres años después de que George Clooney se avergonzara visiblemente con su Bat tarjeta de crédito.

«Siempre sentí que ‘X-Men’ se trataba de algo serio. No era solo fantasía». dijo a los periodistas. El director Bryan Singer, en la promoción de su tercera película ‘X-Men: Días del futuro pasado’, dijo a The Los Angeles Times que Mckellen respondió bien a «la alegoría de los mutantes como forasteros, privados de sus derechos y solos y llegando a todo eso en la pubertad cuando su diferencia Ian es un activista y realmente respondió al potencial de esa alegoría». Tanto el director como la estrella eran hombres abiertamente homosexuales y estaban relacionados con la persecución de dichos mutantes en sus vidas personales, así como con el obvio reconocimiento de que Magneto (nee Erik Lehnsherr) sobrevivió a una terrible experiencia en un campo de concentración. Cierto, Michael Fassbender y Matthew Vaughn fueron más allá con este sondeo psicológico una década después, pero McKellen y Singer sentaron las bases, sin los cuales el mundo del cómic no sería la propiedad que es hoy.

Capaz de manipular y controlar objetos metálicos, Magneto demostró ser un personaje fuerte para interpretar. «¿Por qué ninguno de ustedes entiende lo que estoy tratando de hacer? Esa gente de ahí abajo, ¡controlan nuestro destino y el destino de todos los demás mutantes! Bueno, pronto nuestro destino será el de ellos». Le grita a Wolverine (Hugh Jackman) . Es diabólico, pero su punto está justificado. A diferencia de otros villanos de Marvel, la codicia no es lo que motiva a Magneto, sino la injusticia y la retribución. La primera entrada de McKellen en la conciencia pública de la cultura pop, interpretaría a Magneto en cuatro películas sucesivas, su sucesor Michael Fassbender modeló su acento en un tutorial que McKellen dio sobre ‘Macbeth’ en 1979.

8: Jack y Sarah (Tim Sullivan, 1995): Interpretar a un alcohólico en recuperación es imprescindible para cualquier actor que se precie. Nicholas Cage y James Coburn se llevaron a casa estatuillas por sus giros alcohólicos, Peter O’Toole rara vez fue mejor que su giro ebrio en ‘My Favourite Year’, ¡Daniel Craig ha pasado más tiempo luchando contra el vodka que contra los villanos como James Bond! El William de McKellen es un ayudante altruista, lisiado por una vida anterior de consumo excesivo de alcohol, pero una vez sobrio, demuestra ser más capaz del instinto paternal que el Jack de Richard E. Grant.

McKellen juega para hacer reír mientras lleva al niño recién nacido en el aire, para sorpresa de las abuelas del bebé (interpretadas por Judi Dench y Eileen Atkins). Pero su sinceridad está ahí, y una vez que llama la atención, se gana la confianza de la familia.

McKellen aporta un toque de tragedia a los procedimientos, despertado en la escalera, whisky perennemente mezclado con sus bebidas. Extrañamente delgado, la apariencia huesuda de McKellen lo convierte en un niñero indeseable. Pero su noviazgo con el igualmente defectuoso Jack permite que el público aplaque sus diferencias y se encariñe con un hombre de corazón generoso, más lleno de amor que de alcohol.

Menos visto y subestimado (Grant quizás tenía un aspecto demasiado atípico para despegar como un rompecorazones romántico a la manera de Hugh Grant), tiene un corazón cálido unido a la película. McKellen relató en 2000 que «Jack and Sarah no ha disfrutado del mismo éxito que otras comedias inglesas de clase media rodadas en Notting Hill, pero fue divertido vivir en casa en Londres y en un lugar local con tantos viejos amigos talentosos. «

7: Cold Comfort Farm (1995, John Schlesinger): Hay pocos hombres tan feroces como Ian Paisley, pero Amos Starkadder de McKellen podría traer la furia de Dios sobre cualquier hombre digno de pecar. ‘No hay mantequilla en el infierno’, le grita a una congregación de trabajadores rurales, evocando un más allá tan terrible, una vida tan miserable. «Amos Starkadder, el predicador del fuego del infierno de su congregación de «Quiverers», es una parodia de los predicadores inconformistas que recuerdo de mi infancia», reflexionó McKellen más tarde. «Uno de sus trucos para llamar la atención era detener repentinamente el flujo de su sermón y, haciendo un gesto hacia la pared trasera de la iglesia, jadeaba: «¡Puedo ver a los hijos de Israel!» Las cabezas de la congregación giraban para seguir su señalamiento. dedo. Amos habría admirado eso «.

Excéntrico hasta el extremo, Starkadder ruge con sílabas provincianas, el temor de Dios a su lado. Una de las actuaciones obviamente más cómicas de McKellen, Starkadder se completa con dientes amarillos putrefactos. Cabello sacudido, voz sobre sus feligreses, la parodia de McKellen es perfecta. «Los adoradores temblorosos fueron interpretados por extras locales y Schlesinger quería filmar sus rostros vueltos hacia arriba temprano en el día, antes de que pudiera aburrirse». McKellen recordó. «Antes de que terminara, se dieron a conocer los extras y se predicó el sermón a los pocos profesionales leales que se quedaron atrás para darme las líneas de los ojos. Afortunadamente, mi voz adquirió una nueva fuerza y ​​la escena resultante incluso me hace reír».

Él no es el único. Podría decirse que es la escena más divertida de la película (y el elenco estelar incluye a los narradores Joanna Lumley, Miriam Margoyles y Stephen Fry), el sermón perversamente cómico de McKellen. ¡La risa rara vez ha sido tan pecaminosa!

6: Alumno apto (1998, Bryan Singer): Bryan Singer, hablando con The Hollywood Reporter habló de su interés en McKellen «Con Ian McKellen, en realidad nos presentó un amigo en común desde el principio. Tenía una lista de varios de los una especie de actores europeos mayores obvios … Quería, como con Kevin Spacey en The Usual Suspects, tener este personaje interpretado por alguien que no era tan familiar para el público en general, que Kevin no era en ese momento». La nacionalidad de McKellen fue otro factor que contribuyó: «También pensé que Ian trajo un título de encanto británico y extravagancia a este personaje alemán por lo demás estoico. Los dos colaboraron bien e hicieron tres películas de X-Men juntos después de su adaptación de Stephen King.

Situado como un criminal de guerra nazi, Kurt Dussander de McKellen es a la vez vengativo y arrepentido. Uno siente que siente los crímenes que ha cometido, pero sabe que tiene un lado más oscuro esperando a quemarse desde los bordes. McKellen interpreta bien al Todd Rowden de Brad Renfro, un niño con una obsesión desgarradora por el pasado de Dussander. McKellen escribió un tributo a Renfro en su sitio web tras la prematura muerte de Renfro en 2008.

Dussander es tenaz y vengativo; un uniforme nazi es simplemente un uniforme, Dussander es una amenaza por derecho propio. Amenazando al niño con la exclamación «Para todo el mundo, soy un monstruo. Y tú has sabido de mí todo este tiempo. Si me atrapan, cuando esos reporteros me pongan sus micrófonos en la cara, será tu nombre el que repetiré». una y otra vez. Todd Bowden, Todd Bowden… «uno siente que Dussander está a sólo un pie de distancia de llevar a cabo una venganza mucho más desagradable de lo que cualquier bala podría pintar.

McKellen tiene éxito como el terror envejecido, tanto espantoso como quejumbroso. Con apenas cincuenta y siete años en el momento de la filmación, McKellen es notablemente convincente como un hombre que ronda los setenta.

5: Scandal (1989): según admite el propio McKellen, nunca fue la primera opción para un protagonista romántico. Demasiado decadente para ser un símbolo sexual, demasiado verboso para evocar misterio, simplemente demasiado sencillo para irradiar un atractivo sexual que irradiaba el actor Anthony Hopkins. Por lo tanto, es una gran sorpresa verlo interpretar el papel de amante como John Profumo, el sujeto calvo de mediana edad del afecto de Christine Keeler (Joanne Whaley). La película resultó ser un chivo expiatorio para McKellen: admitiendo a The Hollywood Reporter, el papel de un amante heterosexual parecía atractivo: «La suposición es que cuando hayas salido del armario nunca podrás volver a interpretar nada más que personajes homosexuales. Entonces, Pensé que era un buen mensaje para el mundo de que un actor gay podía interpretar a un hombre heterosexual».

Es cierto que gran parte de la película está abierta a la especulación (el asunto Profumo en la vida real está envuelto en silencios y susurros, como corresponde a un miembro del Partido Conservador), aunque las consecuencias pueden haber sido el detonante de su renuncia en 1963. McKellen es perfectamente elegido como Profumo, al igual que el Secretario del Estado de Guerra sería la última persona en sospechar que está provocando una aventura con una modelo de diecinueve años, por lo que McKellen interpreta la ordinariez y la mundanidad sin sospechas.

«No tengo nada que ocultar», le insiste a Stephen Ward (John Hurt), una afectación que hace difícil estar en desacuerdo con su feidad. Las cejas de McKellen miran con lascivia a las de Keeler como un niño anhelando un dulce, insaciable y carnal deseo de indulgencia interior. La naturaleza majestuosa y aristocrática de McKellen trabaja en beneficio de la película, con los años sesenta a su alcance, su fiesta a cuestas. Los Pet Shop Boys (amigos de McKellen en la vida real de los años ochenta) escribieron la canción principal de la película ‘Nothing Has Been Proved’, quizás un gesto de regreso después de que McKellen apareciera como invitado en su video de 1987 ‘Heart’.

4: El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo (2001, Peter Jackson): Posiblemente el personaje más recordado de McKellen, la actuación de McKellen le valió el aplauso de todos los críticos de la ciudad, tanto como Gandalf The Grey como Gandalf. El blanco. Si bien Tolkien es universalmente adorado en estos días, francamente, no siempre fue así. A menos que fueras Robert Plant, admirar a Tolkien simplemente no era genial antes de 2001 y pocas películas de fantasía de las últimas décadas habían demostrado algún valor, tanto ‘The Never-ending Story’ como ‘Highlander’ sufrieron secuelas espantosas y ejercicios demasiado indulgentes. Por lo tanto, McKellen, con su falta de dinamismo de Hollywood, no fue la primera opción de New Line Cinema para el papel y empujó a Peter Jackson lejos de McKellen a Sean Connery. Connery se negó, al igual que Christopher Plummer, y Jackson restableció su elección original en la película. Y el resultado no puede ser mejor.

Tan dulce como hubiera sido escuchar los soliloquios escoceses de Connery, McKellen domina el papel, la pose, la postura, la jovialidad, la intriga, la naturaleza esotérica de la serie. Por miserables que fueran las precuelas de El Hobbit, nadie se quejó mientras McKellen estaba en pantalla.

Aunque interpretó a Gandalf seis veces, su debut sigue siendo el más memorable, un discurso feroz que abre los oídos de la audiencia a los peligros de Mordor, una caída feroz a manos del Balrog. Él juega sereno y estoico, pero también lucha duro y está cansado del mundo. Es su mejor actuación como Gandalf. ¿No me crees? Entonces cree en la Academia; lo nominaron a actor de reparto.

Mejor conocido por una línea perennemente icónica, McKellen la reutilizó una década después cuando visitó a estudiantes en la Universidad de Oxford en 2014. «‘Si no trabajas duro, si no haces tu revisión, sabes lo que sucederá». preguntó, antes de sujetarse con un bastón imaginario. «No pasarás». Lectura de fantasía proporciona un largo consejo de apoyo.

3: Mr. Holmes (2015, Bill Condon): Sin duda, Sherlock está muy de moda en la actualidad. Robert Downey Jr se tomó un tiempo lejos de su parafernalia de Iron Man para perseguir vagabundos por un teatro de ópera, Benedict Cumberbatch (literalmente) trajo al viejo detective al siglo XXI, Johnny Lee Miller trajo un bloqueo de heroína a Sherlock, Hugh Laurie’s House se quitó el sombrero. en el detective, David Mitchell usó un sombrero abiertamente grande como el detective: todos a su manera compartiendo una deuda con Basil Rathbone. Incluso con las dignas credenciales de McKellen, la originalidad resultaría difícil. Holmes reflexivo, atormentado por el tiempo, encarcelado por sus recuerdos. McKellen permite que sus contemporáneos más jóvenes se salgan con sus representaciones más llamativas, pero al hacerlo, se le ocurre el Holmes más original e interesante desde que Rathbone fumaba su pipa a través de los misterios.

«He decidido escribir la historia; tal como fue, no como la hizo John. Hazlo bien, antes de que muera». le dicta a su compañero más joven, Roger, enojado, sus esfuerzos fueron cambiados por John Watson de la realidad a la ficción. Plenamente consciente de que la vida de un detective no es el tema de las películas de Hollywood, bromea: «Cuando eres detective y un hombre viene a verte, generalmente se trata de su esposa».

McKellen, aunque casi dos décadas más joven que su personaje, trae una tristeza de cansancio mundial que solo la edad proporciona. Uno siente que es un hombre que lo ha visto todo, lo ha vivido todo, lo ha dado todo y lo ha sentido todo. Está ahí en los ojos desolados de McKellen, está ahí en el temblor de su voz. McKellen y Condon son una buena pareja, la segunda de las tres colaboraciones en las que ambos se embarcarían (la tercera será la versión en vivo de Disney de ‘La Bella y la Bestia’ protagonizada por Emma Watson’). Una excelente segunda colaboración, tenía una calidad similar a la de su primera película, una que será discutida debidamente.

2: Richard III (1995, Richard Loncraine): Ian McKellen se inició en la Royal Shakespeare Company, refinando sus Macbeth, babeando su Juliet. Su Ricardo III es magnífico, una soberbia recreación de la gran obra de Shakespeare, reemplazando los castillos reales con símbolos reichianos y atuendos nazis de los años treinta. Alabado cuando se representó para el Royal National Theatre, McKellen y el director Richard Loncraine lo readaptaron para la pantalla grande (ambos recibieron créditos de escritura por su trabajo junto al bardo).

La presencia de McKellen es más acerada que las balas que se disparan durante el final de la película, más vaporosa que los fuegos que arden por todas partes. Evitando la imagen tradicional de Richard como físicamente inmovilizado, el Richard de McKellen está por encima de todos sus hombres, cada uno es una hormiga a la que puede pisotear en cualquier momento, cada una es una pequeña persona en su gran plan. Utilizando el truco que Kevin Spacey adoptaría más tarde para Frank Underwood, McKellen habla a la cámara, cada uno consciente de sus nefastos planes. «Ahora es el invierno de mi descontento», le dice a una audiencia jovial cuando comienza la película, una mirada de soslayo a la cámara con «Esos perros me ladran cuando me detengo junto a ellos» sugiere que no todo está bien en su estado mental. . Propenso a la risa nerviosa, propenso a las diatribas violentas, nadie está seguro de qué hará Richard a continuación.

McKellen es excelente, su participación entre bastidores como coguionista y productor no acreditado trabaja para hacer de esta la mejor adaptación cinematográfica de Shakespeare de los últimos veinticinco años. Hablando con el BFI Southbank de Londres en 2016, McKellen reflexionó: «Ninguno de nosotros [[Loncraine and McKellen]]hicimos un centavo con eso, dimos todos nuestros salarios para hacerlo y estoy muy orgulloso de eso». No discutas con eso: ¡eso sería una locura!

1: Gods and Monsters (1998, Bill Condon): Hablando en una correspondencia, McKellen afirmó que «Gods and Monsters fue una de las películas más agradables en las que he estado involucrado, en parte debido al equipo y al elenco que Bill Condon (director y guionista ganador del Oscar) reunidos sino también por el tema. No sabía nada sobre James Whale hasta que comencé a leer sobre él para la película y conociendo a algunos de sus viejos amigos. Admiro su talento y sus logros como director de cine y su honestidad al ser abiertamente gay en el Hollywood de la década de 1950 cuando no se pensaba que esa clase de honestidad fuera la mejor política».

Al sacar el papel de un lugar muy personal en su corazón, McKellen da cada onza de su alma en la interpretación de James Whale. Ya sea él mismo o Whale o una combinación de ambos es irrelevante, es su honestidad lo que más importa y lo que se traduce mejor en la pantalla. Pocos actores han dado una actuación tan honesta en su vida; McKellen lo hace.

Un hombre envejecido, siempre enamorado de su joven jardinero (Brendan Fraser), McKellen aporta una cierta dignidad impasible al proceso. Ingenioso para el mundo exterior (cuenta que su jardinero «nunca antes había conocido a una princesa, solo reinas» para la princesa Margarita), pero torturado dentro de sus confidencias («El odio era lo único que mantenía viva mi alma. Y entre los hombres yo odiado… fue mi querido padre tonto, quien me puso en ese infierno en primer lugar»), Whale es un camaleón, al igual que McKellen. Quizás el papel cinematográfico más personal de McKellen, McKellen le da vida a Whale de una manera que incluso el infame director nunca le dio vida al Monstruo de Frankenstein. ¡Sí, eso es lo más meta posible!

McKellen fue nominado a un Premio de la Academia por su interpretación, perdiendo ante Roberto Benigni, un perjuicio mayor que la derrota de McKellen ante Jim Broadbent en 2002. Pero donde las estatuillas van y vienen, el celuloide permanece implantado. James Whale será elogiado y conmemorado para siempre por el trabajo de McKellen, ya que la vida de Whale inspiró a McKellen a interpretarlo de manera efectiva. Por una vez, el arte y la vida se encontraron en el centro del proceso; seguramente eso es mejor que cualquier Oscar podría ser alguna vez?

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